PRÓLOGO de Griselda García para el poemario “Infamélica” de Rolando Revagliatti

Si alguien en la ciudad de Roma ignora el arte de amar, lea mis páginas, y ame instruido por sus versos. Ovidio, El arte de amar   Famélico: del latín famelicus, hambriento, muy delgado, con aspecto de pasar hambre. Infame: del latín infamis, que carece de honra, crédito y estimación; muy malo y vil en su especie. Una flaca mala, qué mejor. Cualquiera se enamoraría de ella. A pesar de que la mayoría de las mujeres llevan el imperativo “sé buena” como una marca, la maldad es tan refrescante… La virtud de Infamélica es decir mucho con pocas palabras. De ser leído en clave de ars amandi puede llevarnos a buenos puertos en la conquista amorosa. En la travesía aprenderemos, por ejemplo, que es posible vivir una pequeña vida junto a una mujer y no conocerla: “No es imposible que sean treinta/ los años que hace que no la veo// Con ella convivo/ -no es imposible-/ desde hace treinta años// Mi ceguera/ y ella: / nada es imposible.” ¿Para qué busca un hombre conocer a una mujer si no es para dominarla? A las mujeres no hay que entenderlas, hay que amarlas, dijo alguien que puede ser desde Oscar Wilde hasta Ricardo Arjona. “No hay modo de conocerte/ no hay tampoco modo de desconocerte// No hay modo de conocerte/ en el sentido de que no hay modo de atesorarte/ si es que sólo accederé a conocerte.” Y es que el único modo de conocer es renunciar a atesorar. Como dice Mario Trejo, los recuerdos se hacen de mujeres perdidas. Sólo es nuestro lo perdido. Quien se construye como mujer es habitada por una pequeña multitud. Revagliatti da cuenta de un variado catálogo de personajes femeninos vistos desde un yo poético fuerte, que no habla solamente, sino que además dice.   Estos poemas desmienten el carácter “básico” del deseo masculino. Si en algunos casos el ser hombre es un acto continuo de demostración de que se es valiente y se puede, en Infamélica la voz se asimila a la de un antihéroe, ese individuo común sin atributos especiales que es por eso mucho más atractivo. En el macro mundo que plantea esta voz, el sexo no es utilizado para eludir la intimidad sino para propiciarla y conectar con las emociones, terreno escarpado para algunos hombres: “Yo/ no te propongo/ ahondar el vínculo: / te propongo/ vincular las honduras.” Cuánto hace que no me sorprendía un libro de poemas. Cuánto hace que no me dejaban pensando algunos juegos de palabras, con lo desprestigiados que están. Son los juegos de alguien que ama el lenguaje y no lo destroza como sí hacen algunos lacanianos tristes. Además, este libro me hizo reír. Y de quien nos hace reír no nos olvidamos. Ojo con la vida no vivida hecha literatura, pienso a veces. Contagia y no hay vacuna admisible. Estos poemas desbordan plena vida vivida, tienen calle, hay un exceso que se hizo arte y eso es para celebrar. ¿Para qué voy a leer un libro que no me desea?, se pregunta Barthes. Infamélica destila deseo.     Griselda García Buenos Aires, noviembre 2009

Ramiro Oviedo- Nueve de los noventa

La lengua es un artefacto testarudo, un avión con propulsión a chorro o un burrito plomo que se obstina en contar la relación del poeta con el mundo, en volvérnoslo presente en su ausencia, informando y deformando para revelar lo que pasa en las sienes o en las tripas.   Sin escamotear el peliagudo zigzag  de la realidad, yéndose de coles a nabos o pidiéndole a veces peras al olmo, cada quien quiere afirmar una escritura, ya manipulando imágenes reales o imaginarias, ya subiéndose al árbol del humor, de la ironía, de la alegoría, de la levedad o del desbocamiento arrollador. Los “diez poetas de los noventa nacidos en los 60” –unos más vanguardistas y trasgresores, otros más anacrónicos- , hacen en esta antología el balance de un período de su itinerario vital, el mismo que desemboca en constatación, declaración, lamento metafísico, aullido, rictus sarcástico, según el caso. La relación que logra establecerse con la realidad transmutada, con sus ambigüedades y sus deformaciones – síntoma de conflicto-, las maneras de conducir al lector a descubrir un mundo común y más o menos cuadrado, que es el de todos, transformado gracias al poder transportador del lenguaje en un mundo añadido, terminarán configurando la huella escritural de este grupo.   ¿Qué pueden, específicamente, tener en común estos diez poetas,  que a lo mejor no se conocen, ni se escriben, ni se han visto nunca ni en pelea de perros, y  que van a  darse manos a boca en una cita  virtual, por voluntad  de K-Oz ? Valga como respuesta mi respeto a la palabra y mi complicidad con el trabajo de la gente que tiene memoria y que no quiere que nadie la pierda. Comparto con estos poetas las mismas incertidumbres, las mismas crisis, las mismas preguntas, y con los editores las mismas inquietudes respecto a la selección, difusión y sistematización de la producción poética de nuestro país. Entonces vamos, pero, como decía mi abuelo, primero las damas.   Primero las damas   Con este título nos situamos, para evitar interpretaciones erróneas, fuera de toda intención sexista o desarticuladora de una producción concreta en un  tiempo dado. Tampoco se intenta romper el tiempo de la historia que es el mismo para todos. Simplemente, los textos de Margarita Lasso y de Maria Fernanda Espinosa  huelen a mujer desde lejos y por los cuatro puntos cardinales, y eso no tiene nada de reprochable. Contrariando la idea de que la poesía no tiene sexo, el ADN de ésta es flagrantemente femenino, y ese es el posicionamiento del yo, cuando habla -la primera- de la selva nacional encarnada en una mujer mítica, y -la segunda-, de focas exterminadas, de serpientes y ratones, o de un puerto gringo tragándose el mundo, y en esa perspectiva, hay que separarlos del resto, como en los colegios de monjas de los años sesenta. Aquí la poesía es hembra, y punto. Aunque compartan  a veces registros de escritura afines con la del resto de materiales, el quid de estos textos es su respiración  XX. Textos-hembra, en los que Maria. Fernanda, por ejemplo, se muestra experta en ecología, tierna, sensible, solidaria, grata, capaz de leer la selva y a una mujer en osmosis con ella, o en los que Margarita se vuelve más foca que la foca (víctima) y más ofidio que el ofidio (asesino), o sea salvaje a carta cabal, en un mundo de machos.   Lo bestial y profundamente humano de Margarita, en el circo del mundo, inundado de machos depredadores, de hembras que no les van a la zaga y de espacios urbanos castradores, sustenta la violencia asumida por el lenguaje, en franco contraste de ambientación y de tono con el texto de Maria. Fernanda, que transforma la elegía en croquis de un espacio telúrico-cultural que hay que preservar. Las relaciones: hembra-macho y naturaleza-cultura, respectivamente tratadas, de manera alegórica y con un rico estrato simbólico, terminan abriendo el debate sobre cuestiones éticas, ecológicas y antropológicas, que atañen a nuestra contemporaneidad. Lasso, desde un palco universal, enriquece el bestiario invirtiendo los códigos, animalizando al homo sapiens, o haciéndolo adoptar la impotencia de unos o el poder totalitario de otros, en este caso, lo inhumano de la víctima y del verdugo. La frontera entre unos y otros se borra y todos terminamos en un mundo de bestias ambiguas ya sometidas, ya dominadoras. A la violencia del mundo, Lasso responde con la violencia del gesto, matizado por la ironía. La voz poética acaba al final salvándose por sí misma. Espinosa, por su parte, que parece sentada en la cima de un árbol amazónico, con una reserva lírica de chorrera traza el retrato de una mujer total, como recurso para rescatar el potencial simbólico de la fauna y de la flora amazónicas y, a la vez, como bote salvavidas del hombre. Aquí, la voz poética espera materializar la herencia de otra mujer para salvarse.   La elección espacial del oriente ecuatoriano (María Fernanda) y del Ártico, o de un departamento con vocación de circo en cualquier barrio quiteño, o de South Seaporton ( Margarita), no es inocente; el carácter  aparentemente neutro del lenguaje en el último poema,  texto crudo que funda el frío, y que alude a la soledad y al descalabro de la modernidad, se equipara - por contraste- a la "maternidad" frugal del léxico de Espinosa, que se empeña en inventariar las bondades de la naturaleza y de la mujer que conoce sus códigos, vista esta última como un elemento más de la tierra sabia y generosa, aunque el sesgo socio-económico brille por su ausencia. El tono y la ambientación en ambos textos son diametralmente opuestos, y el sustrato poético se sustenta en el juego de oposiciones, tratadas con golpes certeros y contundentes por parte de Lasso, y mediante la acumulación y la progresión por parte de María Fernanda, que refinadamente camufla la pluralidad semántica, llegando a abordar, incluso, la crítica literaria, cuando pide a Matilde, que en paz descanse, "habla con los pájaros/ para que recobren el silencio / y puedan parir /planta musgo y líquenes / en las acequias estériles del páramo..", lo que equivale más o menos al "¿por qué no te callas?” del gil Juan Carlos, pero ya no dirigiéndose a  Chávez sino al  90 % de poetas ecuatorianos que -parece-  deberían callarse para preservar la capa de ozono de la literatura nacional. El animal poético de cada texto no está en duda. Cantar a la selva, mostrarnos los colmillos del macho o exhibirnos la foto del fin del mundo en un puerto posmoderno es casi lo mismo. La muerte o la amenaza del el fin es el hilo conductor en ambos casos, y ante ellos el único que resulta ileso es el poeta. Lasso le pone una bomba y Espinosa adopta a Matilde y a la selva como armadura.   2+5=7   Los siete poetas restantes (porque del noveno me eximo de hablar), privilegian la memoria privada a la memoria colectiva -cada uno a su modo-, disecan su propia experiencia, a veces con una solemnidad que huele a exceso de buenas intenciones, otras veces con una ironía imperceptible o estridente, pero siempre descuartizadora. Todos privilegian el espacio de reflexión que instaura el poema e intentan dinamitar la realidad con guante blanco,  a punte garrote y, a veces, lo que es inusual o fuera de moda, derrotándose antes de tiempo. Esta zona de reflexión es propuesta al lector como una confesión escrutadora para matar la inercia y  destruir el estatuto parasitario del ser pasivo,  incapaz de tener una cita de diez minutos consigo mismo. El diálogo secreto que se instaura entre el texto y el lector delinea el  desplazamiento de referencias implícitas o no, dejándole a éste  la posibilidad de atrapar las significaciones inéditas. Así, entre las tendencias o vertientes  recurrentes en varios autores, emergen con nitidez el descalabro de la modernidad, la fragmentación y los tatuajes del desarraigo, el poema pensándose a sí mismo, su génesis y su incierta resonancia, la circularidad de la historia, la conciliación imposible entre pasado-presente, entre naturaleza y cultura, y el manido desencuentro del hombre con el mundo.   METATEXTUALIDAD, FRAGMENTACION Y DESDOBLAMIENTO   Son recurrentes los signos metatextuales que “piensan” el lenguaje en el quehacer propio y ajeno, que lo evalúan como médium y como herramienta para trascender socialmente al óxido del tiempo o para marcar distancias y rupturas. Este remanente se proyecta como el rasgo novedoso y definidor de este grupo que se asume no sólo como autor de textos sino también como lector. ¿Qué rol juegan la memoria del ojo y de la lengua en la aventura épica del poeta -dios precario-, escrutando el espacio cotidiano y el peso del lenguaje para construir el mundo trascendente del poema, única trinchera que puede vencer  la soledad y la amnesia?  Robalino es enfático: “Deletreaba para él cada mañana/ igual que Dios en el Génesis)/ los extraños nombres de las cosas:/silla/lámpara/velador/espejo.../” Este espacio dual, incierto y ambiguo, de desencuentro, de claroscuros que dejan de serlo lentamente mientras la página va quedándose encinta sólo cuando el poeta puede "reconocer la ronca voz de la lluvia/ el rumor que en la oscuridad/ habían dejado las palabras”, registra la escisión del  ser que ve el texto meditando su propia fragmentación, creciendo como esfinge que le convierte en interlocutor privilegiado, absorbido por la potencia de la meditación y la búsqueda de respuestas. El diálogo silencioso entre el poeta y el texto y en el que ambos parecen jugarse la vida se cierra con el imperio de las palabras pudriéndose en el aire, y configurando la inutilidad de la poesía, la soledad del poeta en un mundo en que el lector ha sido asesinado. Escribir es ponerse entre paréntesis, ser médium y vidente exige la anulación transitoria del yo, fakir expuesto a contorsiones y desdoblamientos que, en un requiebro de arrogancia, quiere saldar un hermetismo con otro hermetismo, una vez que el yo escamoteado por lo real ha sido mal o bien  reconstruido por el lenguaje.   Las dificultades del acto de escritura como aventura personal o como constatación del fracaso de la poesía y de la literatura,  son abordadas también por Efraín Espinosa, que salta de la ironía al sarcasmo, también desdoblándose, para diseñar el terreno de la poesía  asaltado por piratas e impostores. Lejos del éxtasis y sus estribos, donde se sube Robalino, Espinosa prefiere ser transeúnte del pavimento, un poeta que descarta las nubes y que prefiere las bancas de los parques, aunque sea para constatar el descalabro de la modernidad urbana.  En un tono medido, irrumpe la serie de interrogantes sobre lo que es el poema y el poeta, teniendo como telón de fondo un espacio urbano inauténtico, del cual la voz poética toma distancia, a la vez que se distancia de la poesía-basura.   “Estarás allí/ sin nada de aquello/ que conforma el cristalino silencio/ voces/ poesía urbana/ metáforas/ reseñas/ autobiografías versificadas/  El poeta no existe/ ni su palabra ni su aroma/ y  sin él/ su poesía transparente/ se fusionará en la neblina amorfa/.”   Sin embargo, la ambigüedad de la que está impregnada esta poesía puede camuflar- ¿por qué no?- el temor y la incertidumbre del poeta que en su rigor crítico, arguyendo que el poeta y la poesía brillan por su ausencia, llega al extremo de dudar de su propia creación: “¿Y  Luego...? Los escombros de uno mismo/ recogiendo su propio anonimato.”   No obstante, en la constatación del naufragio, el yo lírico de Espinosa se revela más social, más escrutador y político que Robalino, cuyos textos configuran el imperio del yo en una zona eminentemente intima, en el ring donde sólo él y el texto combaten. Paco Benavides aporta su propia reflexión metatextual en un periplo desbocado y armónico, aunque excesivamente modernista y  quizás algo anacrónico, en Historia natural del fuego. El itinerario, fecundo en metamorfosis y cicatrices, sólo resulta posible gracias al carácter de  médium del lenguaje, que revela "el don natural que tienen los hombres de seguir siendo pájaros entre los hombres".   Galo Torres, en El cuerpo es una página cómplice de la mirada y en Correo para poetas confirma la misma vertiente, a la vez que reivindica el lenguaje como opción para trascender a la muerte y al olvido. Torres es el poeta de la levedad y de la duración,  rasgos escabrosos, prueba de fuego de la poesía.  La postura, el tono y la atmósfera, visiblemente diferentes a los poetas anteriores, revelan un poeta con pie firme, sin dudas ni interrogantes sobre el acto de escritura, sino más bien de quien sabe lo que dice cuando se refiere a  los avatares de la lectura (aspecto abordado por Espinosa con escepticismo anulador), que es el otro lado de la medalla. Torres afirma en el primer texto su talante y su voz de poeta recio, asociando el cuerpo femenino al cuerpo del libro y persuadiéndonos que hay que saber leerlos y gozarlos en su diversidad, aunque a veces nos derroten  con su misterio. La analogía va desanudando un rico sustrato simbólico impregnado de una sensualidad refinada, ratificando el poder del deseo, como motor de la lectura y de la relación texto-lector. El poema se enriquece con el acopio dosificado y progresivo de la historia de la cultura, como telón de fondo en donde cohabitan  todos los tiempos del mundo, la literatura universal, bagaje inseparable del poeta que añade ahora los ingredientes de su singularidad, como resultado de la visión de lector acérrimo y memorioso, inscribiendo su experiencia en el tiempo con la obsesión de perdurar.   En el segundo texto, Correo para poetas, la voz lírica golpea tenuemente en el hombro de un interlocutor (poeta también), -no hay mejor oreja que la del hermano en el oficio-,  y le sugiere el método para protegerse. Para escribir poesía hay que vivir como poeta, y eso implica la fiesta dionisiaca, la trasgresión, los riesgos, saber caer en la tentación de una madrugada bohemia, aprender la lección de eternidad del basalto y de la obsidiana incásicas, maravillarse "de la humilde gracia con la que toca un músico municipal”, copiar la armonía circular de un órgano catedralicio, entre otras cosas. O sea, una sensibilidad de talla multifamiliar. Una vez más la alusión a la cultura ancestral, a la memoria del ojo, al legado de la historia, del espacio y del tiempo urbanos, precarios pero eternos, cuando el ojo sabe ver. Entonces sabemos qué es, qué tiene que ser y cómo tiene que ser un poema para entrar en el inventario de las maravillas del mundo.   LOS NUDOS METAFISICOS Y LA SALVACION POR LA PALABRA En un registro y tono distintos, en Imagen congelada, - violento y aristocrático ajuste de cuentas existencial, Torres, obsesionado por la levedad de lo inmaterial, traduce su determinación por la inmovilidad pero sin morirse. La nostalgia de la inconsciencia se vuelve misticismo, renuncia, "abandono tus recetas, tu almohada, tu campo de carne" antes de congelarse imperceptiblemente en la "edad coagulada". El corte evasivo que desprestigia lo real, el fracaso de los días y de sus fórmulas, le conducen a la última opción: detener el tiempo, o al menos su mecánica circular. El caos del movimiento vulgar, suscitador de desencantos, no es compatible con el poeta - proclive al tedio- ni con la poesía, entonces hay que coagularse, volver a los orígenes y convertirse en fósil lo que equivale a ponerse en un sótano o entre paréntesis; pero la ambigüedad es visible: nadie puede poner en duda la eternidad del fósil, tatuado por el tiempo y testigo del tiempo. Difícil hallar una definición más acertada del imperio del poema-mineral que trasciende al olvido y a la muerte, por haber sido modelado y trabajado por el tiempo y las relaciones sociales. La nostalgia del pasado, con el incario congelado, con los retratos pintados en el Renacimiento y congelados para siempre, son también nostalgia del futuro, y es ahí donde se inscribe la arrogancia de la voz poética, que no cesa de hurgar los métodos para trascender al tiempo con la palabra.   El sesgo semiótico al que acabamos de aludir confluye en vertiente grupal, como una bifurcación lógica de la metatextualidad, que quiere trascender al olvido y a la muerte. Este aserto es confirmado por los textos de Iván Flores, en los que el poeta registra el juego Eros-Tanatos, proclamándose vencedor. Demiurgo y exacerbado, en La danza de los ahorcados, el poeta-lector (inscribiéndose en la preocupación metapoética ya aludida y en la intertextualidad) es un arqueólogo que  resucita a Rimbaud  y que descifra las cábalas y códices de la poesía y de la vida como ritual orgiástico. El yo poético traduce instantes del delirium tremens, alucinaciones  que dan cuenta del acto de escritura como juego erótico que él mismo tratará de nutrir con su cuerpo y con su sangre y con la carne de las palabras. Del ritmo avasallador y del aliento desbocado de este poema, Flores nos conduce a una atmósfera de gran contraste con el poema telúrico Madera, en el que alegoriza la eternidad del árbol, su pluralidad genérica y sus propiedades específicas asociadas a la poesía  y a los poetas incorruptibles. Identificando la selva del mundo a la selva de la literatura, la pasión de la vocación permitirá al joven poeta hallar refugio en el árbol de la poesía, absorber su fecundidad  y asegurar el relevo. De factura y registro distintos, pero en esta misma vertiente temática que se focaliza en el Plazo de los plazos, Marcelo Artega define el tiempo ( Noción) como un juego trigonométrico de posibilidades, en el que el yo es un espectador de sí mismo y de su propia indecisión, evitando a cada instante confrontarse con "el eje roto del tiempo", mientras Rubén Molina, en el poema narrativo Ladrillando, nos entrega la crónica del fracaso de la comunicación y del sueño poético,  el viaje a la locura de quien a falta de interlocutor decide empalabrarse en un bunker ( la locura como torre de marfil) cuando ya no sabe qué hacer “con la derrota de Dios”.   Marcelo Arteaga ratifica en la mayoría de sus textos esta misma constante, pero él va a manejarla con una dosis de ironía que roza el sarcasmo, en aquellas observaciones que contienen una sardónica crítica literaria tibiamente camuflada. Así, en El ciego, equiparándose a Homero, conjugando el tema del nomadismo voluntario y el de la orfandad privilegiada del poeta,  reivindica el canto que nace del hambre y que le permite codearse con los dioses.  En Las aves, la ironía, la sátira sarcástica y la  ingeniosidad alegórica con la que funde dos tiempos, le permiten situar su propia producción en el espacio literario global. El sustrato ideológico del gesto del poeta, que decide ponerla a distancia de la oficialidad elitista recluida en su bunker, y  acercarla más bien a las mayorías, (que a su vez,  tarde o temprano terminará encontrando la máscara olvidada por algún pirata de la literatura), es absolutamente válido en el contexto de la literatura nacional, que fomenta y difunde –no siempre, pero casi- una serie de ídolos de barro. Súbitamente, la progresión semántica del tema cobra un tono más íntimo en el texto Cesar Vallejo. El cuerpo fragmentado y poco proclive a remiendos, el dolor y las carencias acumuladas, la precariedad que le hace fraternizar con Vallejo, al extremo del desdoblamiento, grafican  la derrota del yo, el desencanto de la historia y el acercamiento a su doble, no como árbol protector sino como  paño de lágrimas de dudosa eficacia. Los avatares del acto de escritura atrincheran al poeta en un espacio hostil, y la Magia del poema consistirá  en " liberar al centauro", ese caballo loco de la poesía, "prisionero del laberinto".   En la misma línea, sin proponer ninguna trasgresión formal, más bien con dejos modernistas y lóbregos, Rubén Molina nos entrega en Cuando yo muera, la declaración que traduce la arrogancia del poeta que, enamorado de su propia sombra morirá con ella, sin renegar de la vida ni de la muerte, ni de la orfandad consubstancial. El acto funda la circularidad del ciclo y el eterno retorno nimbado de ambigüedad. Umbral enriquece el texto anterior, condensando la crónica  del anti-héroe o del héroe de seres marginales, su vocación y su sueño poético que se truncan, hasta  interpelar y convocar aristocráticamente a la muerte, fijando él mismo la hora.   NOMADISMO Y  FRACASO DE LA MODERNIDAD URBANA   Varios textos ilustran la recurrencia de este eje  temático, particularmente los de  aquellos que podríamos catalogar como nómadas declarados (Efraín Espinosa, Paco Benavides, Marcelo Arteaga), para diferenciarlos de los viajeros sin más, pero que quieren dejar una huella de su tránsito por el extranjero (Margarita Lasso). El poema Zürichbanhof, de Arteaga, tiene las mismas resonancias  de los textos de Benavides y de Freddy Espinosa, cuando se focalizan en el desencuentro insufrible del hombre con el espacio ajeno, provisoriamente adoptado, y en el que ningún arraigo es posible. El Yo escindido patalea y toma resoluciones., así, Arteaga, visiblemente más apegado a la “llacta”,  marcará la diferencia avizorando un inevitable retorno a la patria original, por puro instinto de defensa, pues - según parece- nada hay peor que morirse en tierra ajena. La elección del terruño como espacio primordial, del que Artega tuvo que extirparse también en defensa propia, aporta una nueva dimensión a las diferentes aristas de la noción de Patria, a la vez que afirma el mito del retorno y la idea de desencuentro del hombre con el mundo. En el caso de Benavides –fallecido en Ginebra-,  el nomadismo forzado no adopta tonalidades de lamento o de queja, al contrario, la desterritorialización es asumida con arrogancia y carece de alusiones criticas al espacio castrador e imposible - visibles  en los textos de Efraín Espinosa-;  el desbarajuste social, la conciliación negada con el nuevo marco urbano cuyos referentes y códigos ignora y  por los cuales va a tientas, terminará volviéndose monólogo con una cerveza que sirve de trinchera, chaleco antibalas y ruta propicia al vuelo de la ebriedad, gracias a la cual, así como a la memoria y a la lengua, el poeta resultará momentáneamente ileso. En franco contraste, el  poema narrativo Ronda nocturna rememora estampas de la vida del pueblo originario y recrea la violencia habitual, el contencioso de las clases sociales y la sorna del poeta que desde el exilio hace suyos los violentos y dignísimos versos de El Fakir, "quiebra maqui de guagua"(...) : no vaya a ser cosa que atine a columpiarse/ en ese país "irreal limitado por sí mismo", El violento y atroz gesto del padre, que rompe y desgonza al hijo recién nacido, lo dignifica en la medida en que de esa manera rompe el círculo de complicidad de la víctima con el verdugo, rehusándose a hipotecarlo a la historia y a exponerlo a las contorsiones insufribles en un circo encunetado en la colonia.   Cerramos esta lectura, ciertamente incompleta y subjetiva, confirmando que con la poesía no hay ambigüedades ni medias tintas. Es una zona de paso firme o un terreno cenagoso. Cuando leemos a un poeta, no hay duda posible: nos rasca las sienes con sus uñas de humo, de guadaña o de pavo real; si nos “rasca bonito”, después  del parietal izquierdo le ofrecemos el derecho, de manera incondicional. Se ha ganado nuestra confianza. Puesto al margen el 99 % de la población, ocupada en menesteres más pragmáticos, como por ejemplo cambiar de 4x4 (en unos casos), o ver cómo hacer para pagar el arriendo al fin de mes, ¿quién puede oponer resistencia a la poesía? Nadie. Ni siquiera yo. Razón suficiente para haber aceptado leer y comentar estos textos, sabiendo de antemano que la lectura puede convertirse en tránsito obligado por una zona minada, porque confluye, se quiera o no, en una  cita escabrosa con uno mismo.                                                                                                                                              Boulogne-Sur-Mer, fin de 2009

Mijail Lamas- México

Aquí siempre es verano aunque nos digan que las estaciones llegan y el año acaba. Allá siempre es verano lleno de voces y plegarias no atendidas. No pretendía volver o que el verano fuese el paraíso, ni siquiera ser la piel del sol abatida en los cristales. Pero he caminado las calles, he fundido mis suelas en sus banquetas y cobrado una cuota de sol como la infamia. No pretendía volver y sin embargo mis ojos van al encuentro de esos días de enseñaza y de golpiza. Aún hoy me escondo a fumar, porque sé que aunque se crezca, siempre hay alguien que vigila. No pretendía volver pero me siento en esa mesa a donde acuden, en menos de un año, cuatro muertos. No es increíble que la muerte se haya molestado en recordarnos. No pretendía volver y sin embargo una llamada, un noticiero, algún periódico me traen de vuelta a la masacre y camino hacia una hora menos en el tiempo. No pregunté por qué allá siempre es verano, nacíamos con él en la mirada y sin embargo un temporal de oscura gracia nos seducía. No pretendía volver, pero no basta pretenderlo, el verano emana de mí y todos los caminos se tuercen en su polvo, toda esa es luz es un puño que se rompe en mi memoria..                                                                                                              De Contraverano

“Dos Novelas, dos mundos Paralelos” -Por Oscar F. Sierra

En la presente ser discuten dos novelas, dos autores hilados por elementos imaginativos literarios en común, lo que se ponen en juego la creación de dos universos sinexados por acontecimientos inverosímiles, las presentamos de forma individual, “La Mina :Un Paralelo de Bestias y Hombres” de Alexis Laínez y “La Parábola del Gusano” de Oscar F. Sierra.                             En la primera “ La Mina : Un Paralelo de Bestias y Hombres”, de donde se desprenden sub-mundos mágicos, que se combinan con aspectos sociopolíticos de una época oscura en la “Historia de Honduras”.En la novela se tejen discursos que se potabilizan en el plano real y desplazan hacia lo ficticio donde el autor adquiere la posibilidad de cumplir su objetivo: Lo Estético. En cuanto la Estructuración de la obra, se rompe con la linealidad, potenciando un juego de planos temporales y espaciales que le dan el acierto narrativo. Esta Novela constituye una proposición narrativa en la que se juntan una plurievocacion de discursos-Mijail Bajtin-expresa “Polifonía”.Una gama de lenguajes que se interconectan, que abren espacios y traslapan situaciones de tapiz mágico. En el aspecto técnico, el autor recurre a la yuxtaposición  de planos, donde los acontecimientos se suceden al mismo tiempo. Es ahí el acierto de Alexis Laínez, en discurrir hacia la Novela europea Joyceana con arduo respiro de autenticidad.                   “ La Mina ”, es un poliédrico universo de mundos que se van construyendo  con un efecto de imágenes cinematográficas, es una aproximación al lenguaje visual de Henry James, también en lo que Umberto Eco expresa “el Mundo es un nudo de posibilidades y de que la obra de arte reproduce su fisonomía” “ La Mina ”, es una revelación meta cósmica de actuantes que se disgregan sentimientos, pensamientos, percepciones sobre injusticias, sobre absurdidades políticas y sociales en la que desprende la creación y caracterización de un actuante conflictivo propio de la novela de tendencia existencialista, eso hace que la visión del mundo se reduzca de un personaje a otro, ejemplo “Miguel hacia Mágdala”.     En esta novela  se determinan elementos parámetricos, es decir objetos que funcionan como símbolos y espacios en donde se mueven los actuantes, un ejemplo “el péndulo en la Cantante Calva de Ionescu, el árbol en la obra “Esperando a Godoy de Samuel Becket, el billar eléctrico en Ping Pong, la Pared o el muro en la parábola del Gusano y en la Mina es la cueva, estos elementos perduran a lo largo de toda una obra.               El eje temático de la novela se refiere a la dictadura de Tiburcio Carias Andino.Algo que se debe tener en cuenta es lo que expresa Milán Kundera “ La Coe-existencia de los distintos tiempos históricos en una novela ¿Cómo ligarlos?, porque se debe narrar el horror de la historia, la fuerza hostil e inhumana”.                  Con este planteamiento justificamos que “ La Mina ”, es un contramundo, que no lima asperezas, que subraya contradicciones contra sistemas políticos. Económicos y religiosos, muy pertinentes y arraigados, sin embargo en “ La Mina ” “Es perpetua creación y recreación que abarca restropectivemente todo el pasado de la Novela ””lo expresa  Milán Kundera .Dentro de la historia de la Novela ,implica decir “que no encontramos confesiones noveladas, ni ajustes de cuentas, ni denuncias, ni políticas noveladas, se decir no es una novela que se consume por la mañana y desecharla por la noche, al contrario encontramos en “ La Mina ”,la desdivinizacion del mundo, lo que Milán Kundera plantea “Es un fenómeno que caracteriza a la novela moderna”,lo notamos cuando Magdala se dirige a la figura divina de Dios, ahí reemplaza el ego del personaje como fundamento de la novela contemporánea.                     Kundera prosigue “Explorar lo histórico, los mitos y los textos sagrados, es volverlos profanos”, lo hace cuando nos presenta aun actuante llamado “Don Alejo”,que representa la mitologizacion y ruptura de la religiosidad,de lo sagrado para fundir una cosmovisión de pre-existencia contra la idea de la vida contra la muerte, contra las plataformas de la religiosidad europeísta. “Don Alejo” es el símbolo del bien, y la simbolización latina del mal expresada en el “Toro”, estos rasgos distintivos contextuales de la novela, le dan intensidad y validez estética.                       Alexis Laínez leyó a gran escala a la obra de Julio Cortazar, he ahí  la influencia en cuanto la técnica  de diseñar la trama de la Novela., sin embargo capta el mundo desde la definición de la misma novela, encontramos otra forma de escribir, ya lo había fundado Kafka,  esto significa que esa otra forma de escribir es trasvasar la verosimilitud, llegar al plano mágico maravilloso, un ejemplo “La reencarnación de mister Stanley en la profesora Emma, Lo poderes de don Alejo ,la pariciones del Toro, y la madre de Miguel convertida en árbol” estas situaciones forman el código de lo maravilloso. En los aspectos lingüísticos sintácticos, el autor recurre a oraciones con núcleos verbales en pretérito perfecto con oraciones coordinadas y oraciones disyuntivas repetitivas en el plano fónico de la oralidad cuando los actuantes dialogan. Combina lo oral con la escritura, hasta recrear un estilo peculiar, que se convierta en un soporte estético. Otro logro es la simbiosis de varios narradores desde la primera persona hasta el narrador extradiegetico. “ La Mina ”, se interpolan oposiciones  dimensionándose en toda la estructura profunda de la novela ,un ejemplo “la religión católica del padre ángel contra las creencias de Mister Stanley ,lo político ,lo nacionalistas contra los liberales perseguidos ,lo regional  Nacaome y lo universal cuando se hace alusión a nombre de países. Estas isotopías van formando los andamios de la novela a nivel paradigmático.                              Alexis Laínez, en “ La Mina ” se detecta la architextualidad de la que se refiere Genette-“el poema de Andrés Bello y William Shakespeare, las letanías, cartas, documentos jurídicos, citas bíblicas, rezos, actos cívicos, obras de teatro, listado de objetos arqueológicos que funcionan dentro de la novela como constructor de fictividad y creación”. Otro rasgo artístico de “La Mina” según lo que expresa Pozuelo Yvancos “La actividad poietica o creación de mundos en el discurso literario, un ejemplo, es como Miguel Bustamante entra a la cueva de Don Alejo, me refiero a la evolución del personaje en un proceso de misión en la que vence una variedad de obstáculos, propio de la figura del “Antihéroe”. La búsqueda de repuestas existenciales lo llevan  a comprender mundos desquebrajados y en la que se somete a una liberación cognoscente, lo que Milán Kundera “Suspender el juicio moral en la novela, no es lo inmoral de la novela, es su moral, es una hazaña de enorme  alcance y solo en el se pueden alcanzar la plenitud de los personajes novelescos”. “ La Mina ”, repito, es una novela que alarga su paso al stadium de la novela Hondureña, por su visión  de enfrentar las circunstancias  que subyacen en un el fondo tenebroso, lleno de poder y placer  de una dictadura que jamás se podrá olvidar.               Fowler y Kress “El discurso literario tiene un proceso de interacción sociolingüística”, donde las voces emprenden la deliberación de lenguajes de acuerdo al signo cultural de los  actuantes, veamos en el capitulo, donde dos perros y un caballo escenifican estados de conciencias dirigidos a un acto jurídico, si buscamos la coherencia lingüística “Los perros en su vida anterior eran abogados, fueron fusilados por la dictadura, es decir que el lenguaje es pertinente en los diálogos de los animales, en esta fabulación el lenguaje es un indicio para sospecharlo”. De tal manera que en “ La Mina ” se hilan historias que tiene como origen el inconsciente colectivo-dice Gustav Jung, me refiero a la historia de los faraones y las leyendas que se demarcan en el tejido imaginario del autor, esto hace que la novela tenga trascendencia lingüística y temporal.  “ La Mina ”, es un bagaje multicultural, es el encuentro de lo viejo y de lo novedoso del mundo, la oposición entre la existencia y la muerte. Esta Novela delibera lo cronológico, deja andar libres sus personajes, juega con lo mágico, poetiza sub-realidades, desconstruye mundos y los mitologiza, de ella se desprende un proceso histórico que estigmatizó  a Honduras, de manera precisa vemos que Alexis Laínez se convierte en autor y actuante cuando se introduce a la Novela “ La Parábola del Gusano”, y dentro de esta novela en la comienza a contar con lujo de detalles su obra novelesca.                            Vemos en Laínez un novelista que dispone de talento para congelar, atrofiar y segmentar el tiempo dentro de la novela hace que la palabra explore los sentidos de los lectores, lo arrastra a esas esferas de magia, de ocurrencia, donde la fogosidad, la perspicacia y habilidad de los personajes nos harán sentir placer, es la estética de lo inexplotable, la novela se aproxima lo total, que maximiza la humanización en la conciencia del hombre. “la novela nace de la libertad del humano, por eso “ La Mina ” rompe los eslabones del lenguaje, de las imposiciones sociales, religiosas y abre las compuertas a una nueva forma mágica-política de ver el mundo que se intenta salvar. II Las caóticas sub-historias de “ La Parábola del Gusano” Ningún autor es el indicado para hablar de su propia obra, empero destacar que en este relato novelesco equidista un plurivocidad de varias conciencias que tamizan una breve complejidad existencial .Alexis Laínez  escritor que  me animó en este a váter de seguir hacia adelante. Comentarios sombríos y alambicados preludiaron un desacierto y otros auguraron éxito. Sin embargo en mi relato tiro en juego una cantidad de elementos que fictivizan lo narrativo ¿Por qué no darle fisonomía a lo personajes? , nos damos cuenta de una tendencia artististica dadaísta de impresionar o expresar el balbuceo del narrador, que en su trayecto pre-establecido en la que sitúa sus experiencias desde un ángulo que se contrae más en el desparpajo, en poner el mundo el revés o al envés. Sumergir al lector en un relato que no tiene unidad porque sus instancias narrativas están bajo el réflex de una mediación donde cada flash va constituyendo un relato autónomo en donde los  personajes se entrecruzan como sombras, ofuscan y logran el hinchamiento de la libido de forma promiscua. “La Parábola del Gusano” constituye una armazón de situaciones irreverentes. Donde se eclosiona un carnaval de acontecimientos que se encadenan con la novela “La mina :Un Paralelo de Bestias Y hombres” de Alexis Laínez ,que se convierte en personaje dentro de la novela “La parábola del Gusano”,co-existen ,se juntan a través de la voz de personajes que cuentan de forma sucesiva lo que le ha sucedido a Teofilo Bustamante, Bisnieto de Miguel Bustamante, que es el actuante principal de la Novela “La mina”,eso significa que funciona como Funtor entre una novela y la otra, esta hilaridad narrativa convierte este texto en paratextualidad “Una novela dentro de otra”,este logro permite expresar que se esta incurriendo en un fenómeno literario jamás dado dentro del contexto de la narrativa Hondureña. Al comenzar a leer la novela “La mina” se dispone entrar en contacto con la estructura profunda de la “ La Parábola del Gusano”,y desde ahí el autor-personaje Alexis Laínez  cuenta su  novela la mina”, se la esta contando a lo presentes en el velorio de Teofilo Bustamante, amigo del poeta y escritor Alexis Laínez, eso hace que las dos novelas formen mundos paralelos, ahí radica la recurrencia y creación de ajuntar dos novelas, dos universos distintos imaginativos Esto viene a definir un innovación en la creación estético-narrativo de la novela Nacional entre dos autores. El relato  novelesco se presenta como una posibilidad de contraer el lector de disputar y cuestionar  ciertos valores morales. En el nivel de la estructura profunda se levanta una enunciación verbalistica donde se configuran las voces de los personajes .El texto narrativo se abre y se libera con múltiples significados constituido de manera puntual entre personajes. Esta novela entre en un proceso absoluto que tiende a realizar aparentemente una incoherencia dispersa con latencias semánticas de un mismo significado. El sujeto que narra tendrá a su disponibilidad el narrador heterodiegetico “Se narra la vida de los otros”-algún Oleza. Tomando como referencialidad la realidad que entre en el disloque, el atrape va hacia atrás, en retro vade. El final esta en el inicio y el arranque en el final una especie de trasnversalidad donde en el fondo lo que palpamos es la degradación de la verdadera moral y que desbarata máscaras religiosas, sociales y políticas. En cuanto al estilo, la novela se equipara con una simbiosis de lenguaje coloquial y vulgar sin obviar cierto acento poético en la mente del narrador. La novela se disputa la existencia y no hay más salida que la insinuación del tanhatos, cada capitulo es un flash o un haz de luz que nos empuja hacia el otro las piezas del rompecabezas se va formando, aunque el lector encuentre el juego incompleto, entonces vuelve al lector involucrarlo  en una pieza más de esta maquina narrativa. Sin murmuraciones, ni cacaraqueos, ni aspavientos, hago este lance de dados de modo acertado en la que Roberto Bolaños ,Enrique Vila-Matas y Federico Andahazi  y Alexis Laínez marcan el sustento de mis complicidades narrativas y que el lector tome la ultima palabra de esta lectura que nos pone al filo de la navaja.

Suma Paz. Prólogo a Kundahára de Yrasema López

"A la palabra la encierro la borro y vuelve a insistir se instala impetuosa en el río". Yrasema Sí. Acaso sea aquí, en esta ceñida metáfora donde palpite la cifra poética que nombra a este libro. Claro que después, la arrollará la plenitud y la cifra despertará al torrente sin regreso, porque allí está el río. Desde allí, desde las riberas opulentas de su litoral, nos llega la voz de la poeta. Kundahára, caminante, voz en tránsito, olorosa, ungida en el camino como una flor de allá; "valija de irupé" como ella dice. Entonces, ese misterio indecible de la poesía se abre al paisaje íntimo de la palabra, la pinta, la viste, la canta. Desde cada hoja abierta de este libro nos alumbran los soles del lugar: infancia, abuelos, tierra; nos envuelve ese poderoso vínculo en floración con ella, esa ligazón atemporal que nutre y sustenta, propia, única, intransferible y por ello, universal. Voz rotunda y carmesí, con resuello de cordeona, con patio de tierra y alpargatas, acaso con el sollozo. Adentro, de un sapukay.                                                                 En este tiempo desvaído, donde la magia de la palabra pareciera haber perdido su música, donde la imponente construcción intelectual a veces tapa el milagro de la sustancia poética; este libro nos consuela. Porque allí estará kundahara y bailará Reina, el arrulle de Yrasema                             Gracias por tanto, Yrasema.

Antologia en lucha: Poesía hondureña en resistencia- José Manuel Zelaya Rosales

PRÓLOGO Todos sabemos en Honduras y el mundo, que nuestro  pueblo está sometido a una represión sin precedentes en este momento histórico de la patria, cuando las leyes han sido violentadas en todos los planos posibles, y cuando se lucha denodadamente en contra de una dictadura violenta en cada municipio, en cada ciudad, en cada barrio, en cada calle. La poesía, en momentos trágicos como los que vivimos aquí y ahora, nos permite visualizar con gran claridad las perspectivas de la esperanza, el futuro, la paz y la guerra misma, sus significaciones y sus lecciones históricas. La vida se hace más rica y más viva cuando los embates sociales se vuelven adversos a los hombres; entonces las palabras se convierten en el bálsamo oportuno al momento del descanso, entre un día y otro, cuando arrecia la lucha contra la injusticia. Los poetas, como dice el escritor Roberto Zapata se elevan con su “ejercicio humano que significa el estallido de una conciencia que se madura en un acto de comunión y se precipita en luces que alumbran todos los senderos”. Los 25 poetas que se antologan en este libro titulado Poesía hondureña en resistencia han aportado a la lucha  contra la dictadura militar, política y empresarial, instaurada desde el 28 de junio del presente año, su mejor arma que es la palabra insurrecta, indomable y firme, constituyendo así una diversidad de voces que recorrerán el mundo,  denunciando la barbarie y la bestialidad,  con la dignidad patriótica que les corresponde en el momento preciso de nuestra tragedia nacional. Cada uno de ellos ve la dictadura con la mirada artística que su propia creatividad le permite. Por ejemplo, Víctor Ramos, dice de los militares que delinquen en esta hora crítica:                                                   “No pretendan esconder el crimen, criminales,                                                   no pretendan impunidad                              …                              Las banderas de la resurrección no dejarán de                                                                                            Flamear                              En manos del pueblo liberado” Otro poeta reconocido, Efraín López Nieto, escribe sobre una patria que se le hace movediza y se cae a pedazos, por eso exclama:                              “Yo no sé como amarla” La poeta Melissa Merlo expresa que en el Congreso de la República:                                  “Vive la ignorancia/teñida de colores” Otra compañera de oficio, Dorita Zapata,  por ejemplo, denuncia que: “El dictador cortó nuestra piel/ a pedazos”  y más adelante pronuncia:                               “Por eso,                                 después de tanta iniquidad                                 me obligo patria                                 a caminar contigo:” Entre tanto, el poeta Israel Serrano, manifiesta que “Duele el rostro de la patria cuando desanda el tiempo/ a sus hijos pliega el futuro de piedra en el canto”. Muchos de estos escritores han debido escribir sus versos en el fragor mismo de la represión, la ignominia, la iniquidad, el cinismo y la degradación. Todas estas acciones humillan el decoro de los hondureños, por esa misma razón Galel Cárdenas, airado ante tanta injusticia responde: “En esta horca colgaremos/la cabeza del Judas y sus monedas/. En esta Pradera fusilaremos/ al traidor y sus sirvientes/al asesino de la patria”. Este libro Poesía hondureña en resistencia representa el testimonio vital del arte de la palabra que habrá de abrir senderos de solidaridad nacional y mundial para que un día no lejano,  como dice el poeta Oscar Amaya, podamos repetir este poema en prosa con la mayor serenidad y amor posible:                       “Honduras, mi niña de arroyuelos, ven tómanos de las                         manos, vamos, mi niña de alientos arrebatados, ven                            crucemos el sol de la esperanza, cobijémonos en el                         alba, trencemos nuestros brazos, cubramos de gloria la                         campiña, allá nos espera el amor con su aleteo de                         golondrinas, ven, refresquémonos, niña mía, estamos                         en el mañana.” En mi calidad de Presidente de la República, electo por el voto popular en noviembre del año 2005, saludo a los poetas y artistas de Honduras, con el corazón henchido de patria y compromiso. Sólo quiero finalizar este saludo a la poesía en resistencia, con los versos del magnífico y siempre vigente poeta nacional Alfonso Guillén Zelaya, con los cuales envío mi mensaje de esperanza al pueblo hondureño:                         “Vendrá el mañana libre. Vendrá la democracia,                           No por mandato extraño ni por divina gracia;                           Vendrá porque el dolor  ha de unirnos a todos                            Para barrer miserias, opresores y lodos”. JOSÉ MANUEL ZELAYA ROSALES PRESIDENTE DE HONDURAS 2006-2010

Maritza Alvarez- Chile

La exiliada   Exiliada… Como asilada política Permanezco y me repliego Esperando de ti los subterfugios Que me permitan seguir En la esperanza de la noche   Pero a veces el corazón flamea Como esa bandera que dejé lejos Y ha sido mi elección el asilo Este que de pronto consume el poco aire De libertad recia que me queda esta noche Que me convoca en este país de mentira El que me inventé arrancando de ti Ese que revienta las venas Y las amarra después Con los restos que quedan   Y así, mientras me reproduzco Con el semen espeso de tus palabras Atoradas en la memoria viva Siento como copulas Con la inseguridad a cuestas Pero qué importa Si  te sacudes en tu desespero Y gritas en tu descarga eyaculadora   Dinamita pura que abre mi tierra En la más ardiente consumación Que yo invento acá Donde hoy te recuerdo   Exiliada, entonces No sé si llueve o son mis ojos No sé Pero hacia donde miro no veo claro   Este exilio voluntario me sobrecoge Y me llena de absurdas conjeturas De tal manera que me hago sensible a tu peso Y a tu aroma penetrante Y me estremezco pensando si valió la pena El haberte subyugado entre mis piernas   En mi exilio voluntario, entonces Hago un homenaje a las cartas que no existen Porque no llegaron Porque en el camino se extraviaron Porque en el correo las abrieron Y las timbraron de poco dignas Como “desechadas por asuntos políticos”   Desde este lejano país elegido Que se llama Ahogo Y se llama Despedida En la hora veinticinco del día En libre voluntad, hiriente y mordaz Te invito a que me visites ahora Y me deambules con tu propio ritmo El que conozco y resulta Ven, amado, trae en tu visa de turista Tu cuerpo estremecido Salúdame despacio Entre el vientre y mis rodillas Porque también el exilio es deseo Y ya mis pechos celosos Te reclaman que los escales también   Y teje de sedas tus manos Hazte potente en tu hombría Tú sabes como hacer que yo lo crea Deja que agonice en ti Para despedirte luego En la hora veintiocho Con la primera estela de frío Porque lo que empecé no lo termino Exiliada estoy y exiliada sigo Hasta que cambies tu dictadura Tu gobierno de prudencias eternas   Desde este retiro autoimpuesto Esperando está mi humedad Labra en ella que es tierra fértil Deposita las semillas de tu sexo Veamos si florecen, y tal vez mañana Me arranques de este exilio Y rompas mi pasaporte rojo De la sangre que vertí en esta tierra Y por fin pueda vivirte entero Olvidando mi angustia Y mi destierro

Prólogo del poeta de Valpo,Juan Cameron, a la Antología "El Mar de los poetas",

próxima a aparecer bajo Ediciones de ed. Caliope Escribir el mar Juan Cameron Hugo Montes lamenta la falta de antologías temáticas en nuestro país justamente en el prólogo de Los poetas del mar, selección publicada por la Editorial Andrés Bello en 1978. Con acierto el recopilador de El mar de los poetas nos presenta aquí más bien a autores vinculados a la imagen, o por semejanza, al inmenso océano que -para quienes nos ha acompañado desde la infancia- posee más que un motivo simplemente estético, una fuerza metafísica determinante y esencial. Es en esta comunión donde establezco como lector el afán de Fesal Chain por reunir en un solo cuerpo el trabajo de autores de tan distinta índole u origen y, al mismo tiempo, tan vinculados a esa monumental idealización. En tal sentido el mar se torna en ese mundo otro, distante aunque siempre presente, que va junto a nosotros como ese valor opuesto justificado en el reflejo que nos da razón y existencia. El mar es un querer ser, un permanente imaginario percibido en la piel a cada instante. Por obra del recuerdo o de la palabra ha sido destinado a construir, en definitiva, un texto para acunarlo en toda su intensidad. Pero no lo poseemos, ni siquiera somos parte de aquel. A su lado, por un breve instante se nos entrega para cargarnos después con su infinita nostalgia; nada más. Doce autores responden por su vinculación hacia este elemento en el presente trabajo. Julio Silva lo habita en el recuerdo junto a las imágenes de la infancia y sus primeras lecturas: “la mar gritaba mi madre, el mar mi padre,/mira Julio es el mar, nunca habías venido,/ la arena y los niños corriendo mojados,/ construyendo figuras, escapando al agua fría”. Es el mar de los pobres, es el balneario de Cartagena en los años 80 con sus pobres residenciales el que más tarde, en tierras lejanas, le acompaña como una imagen permanente: “Veía a Chile desde lejos y siempre,/ en todos los recuerdos estaba el mar”. Gabriel Impaglione, el poeta argentino natural de Morón –ese hermoso lugar unido al Gran Buenos Aires en dirección al Santuario de Luján- refleja en sus textos el brillo de la superficie cuando esta esconde un mundo cargado de plata refulgente en sus profundidades: “El mar es una cinta que brilla en tu pelo” canta a su capitana, y de allí extrae la fuente de nácar, imagen de cuanto es valioso y resplandeciente a la vez. El poeta Raúl Ocaranza, natural de Copiapó y crecido en Puerto Viejo, une mar y poesía en tanto forma y como expresión de sentimiento. La imagen de la amada es como el mar, cuando no es el mar mismo: “Tus ojos los pinto/ con el brillo del sol/ en el agua”, declara; y luego: “mi mar es una mujer/ enamorada/ que me abraza con olas/ y me desea con marejadas”. En cambio Marcelo Valdés, “poeta del mar sin casa en la playa ni lancha a motor”, como se presenta, es el fonema y la aliteración, y también el registro de una mítica Cartagena o de los asesinados por la dictadura su más estrecho vínculo. Pero el paso de la memoria es fantasmal, descubre; “y por tanto,/ y debido a todo lo anterior,/ sólo queda remar”, nos dice. Y hay poetas que intentan habitar ese mundo; o lo desean. Para María Francisca Rivera tanto el mar como la costa integran el escenario sobre el cual ella se desplaza en una suerte de vuelo intuida por Bachelard en El aire y los sueños. El impulso amoroso la conduce entonces y “confundiéndose con el mar/ en el horizonte/ pasan cuatro caballos (…) se dibuja el quinto a distancia”. Michelle Valencia, por su parte se enfrenta a éste como a un poder superior que determina su mundo. Protegida en su refugio del insondable mar, nos dice, va hacia aquel sin embargo en busca de la entidad ausente: “me di un baño en el océano atlántico/ en la orilla de una playa desierta (…) y embriagada en sus suaves olas/ me fundí en sus aguas quietas”. Y la mexicana Zullette Andrade, para quien bucear y escribir nacen de una misma fuente, ve en los niños a quien ella enseña como maestra, como los habitantes de ese vasto océano “viviendo en palacios de papel/ y barquitos de periódicos”. Curiosamente Juan Pablo Núñez, quien confiesa su negativa a leer poesía, declara también la intención de nadar una vez más en esas aguas para escribir, pues este es su único oficio: “¿Alguna vez les dije/ cómo terminará mi vida?/ Será en el mar de mis sueños,/ y así será”. Compromiso que en Mario Aguilar cobra vigencia histórica y oficia de testimonio: “Porque entre los abismos fantasmales del mar/ el mar como sarcófago y tumba/ se hallaban los rieles del tren/ que ataban los cuerpos de Marta y de Marcela”. Para Aguilar se trata de una entidad mayor donde yace el pasado, el presente y el futuro tanto de la historia personal como de la patria. Pero este habitar cobra sentido en el poeta mexicano Mario Jaime, para quien nereidas y anémonas integran un mundo distinto, una naturaleza propia, tal vez con un dios y un sentido cosmogónico particular. Allí junto a una larva de pez transparentada conviven gelatinas pegajosas al color, guiños demoníacos, arcos y trapecios en un amoroso embotellamiento vial de flotación. Y para René Acevedo la simbolización tiene en cambio un sentido de dolor, de efectivo naufragio cuando no de nostalgia. Como una amante ya perdida, su imagen carga con los días perdidos ocultos ya en un fondo demasiado lejano para recobrarlos: “sé que en el mar se quedaron mi vida, mi corazón y mis sueños/ y que jamás habrá otro puerto ni otra playa/ otra lancha u otro bote/ que me hagan reflotar y sentir la calma”. La contribución literaria de Fesal Chain en estas páginas cobra fuerza y rescata la vigencia poética de lucha en un canto de amor y de reconocimiento y en el significado que el océano Pacífico conlleva para lo popular, lo nacional y lo telúrico. Su voz nos remite a Pablo de Rokha: “cuando miro la roca que estalla/ sobre mi mar de Chile/ cuando miro a los pescadores/ que vuelven de la jornada/ popular y hambrienta/ del pescado barato y mal mirado”. El mar de Chile cobra para él importancia como símbolo y necesidad vital, ese mar “esmeralda en el día y negro como un/ subterráneo antinuclear/ de noche (…) que trae un suave olor a musgo/ en su movimiento perpetuo”. Distintas formas de enfrentar este vacío concreto y desconocido a la vez nos ofrecen estos poetas. Y en tal medida la intención primaria del realizador, nuestro poeta Fesal Chain, la de evocar en uno solo la suma de todos los mares, está desde ya cumplida. Así al menos ha de apreciarlo el lector.

PRÓLOGO A UN LIBRO SOBRE ULRIKE MEINHOF A PROPOSITO DEL PINOCHETISMO EN EL SENADO

Los hechos son mas elocuentes que cualquier cosa, si el pinochetismo preside el Senado, no es más que la expresión de la alianza que la propia Concertación ha realizado con éste. Tal como lo realizara el Socialismo y la DC alemana con los partidos proto-fascistas en el régimen democrático alemán de post-guerra, que atentó contra la vida de Rudi Dutschke y asesinó uno por uno en la cárcel a los miembros de Fracción Ejercito Rojo, entre ellos a la periodista Ulrike Meinhof, por oponerse, primero desde el pacifismo y después armados, tenazmente a esta alianza espúrea. No es coincidencia que el mayor defensor del "modelo alemán" en Chile, Adolfo Zaldivar, quien fuera Concertacionista hasta hace poco, apoye con sus votos a un complice de asesinos. Tengo un ensayo completo al respecto, lo que sigue es solamente el prólogo, y que me perdone mi conciencia, el primero lo he guardado en mi computador desde hace mucho, esperando los tiempos en que al menos los comunistas se den cuenta de la "dictadura democrática y de inteligencia" que los socialistas y gran parte de la DC nos han vendido como "democracia", ambos aliados a Estados Unidos y sus aparatos y a Alemania y su Fundación Friedrich Ebert. Si hoy dificilmente la izquierda entiende lo que significa la Concertación y tiende a hacer alianzas con ella, el ensayo parecería tomado de una película de Wells. Prólogo a una Recopilación de textos de Ulrike Meinhof Por qué un libro sobre Ulrike Meinhof. Por qué un libro sobre la RAF. No es fácil explicarlo. Lo primero que aparece, ya fijado en la mentalidad de la sociedad occidental, comandada por la socialdemocracia y la legalidad, es una defensa de la violencia política contra la democracia parlamentaria. Sin embargo esta edición de textos extraídos dificultosamente de Internet, tiene una finalidad sumamente distinta. Una finalidad propiamente sociológica, entendida la sociología como el conocimiento del mundo social, de los elementos escondidos del funcionamiento de lo social y que sistemáticamente toda ideología conservadora trata de esconder al público, ya sea desde la operación política diaria, pasando por la utilización de los medios de comunicación, hasta la política de inteligencia del Estado.  De esta manera, el prólogo cumple una función de justificación del “estudio”. Y tomo para esto dos reflexiones claves de Ulrike Meinhof:  Así escribe en el nº 1 de "konkret" bajo el título de El proceso de clarificación: "La adhesión de Dahrendorf [destacado jurista y sociólogo del Partido Liberal, FDP] a la gran coalición es [...] instructiva. Hace poco más de un año escribía aún: 'La gran coalición termina con la lucha de partidos como instrumento de un régimen democrático [...] El precio lo paga la sociedad alemana con la vitalidad de sus instituciones democráticas'. Una de esas instituciones es la Universidad alemana; dentro de la Universidad, el mismo Dahrendorf se había convertido en institución; ideólogo principal de la admisión del conflicto [...], ha depuesto luego la actitud con la cual había podido ser eficaz la oposición y se ha puesto al servicio de los que han cortocircuitado el conflicto. La fórmula, presentada al margen de los partidos, resulto puro formulismo, voceado no para hacer sitio a la oposición del trabajador industrial frente al management y al capital, a la oposición frente al gobierno, al parlamentarismo frente al ejecutivo; no fue más que una generalización aguda y sin compromiso, con la cual no se trataba de abrir trincheras en la clase de los dominantes, sino a lo sumo, de asesorarlos estilísticamente". Y escribe autocríticamente tras la última marcha contra las leyes de emergencia: "Hemos defendido la democracia política en vez de atacar a los poderes sociales, las asociaciones de empresarios, junto con sus dependencias en el Estado y en la sociedad misma [...]. Hemos argumentado contra las leyes de emergencia, en vez de luchar contra la fuerza de las grandes compañías. [...] No hemos realizado la defensa de la democracia como lucha por la democracia económico-social, como lucha de clase por debilitar a los propietarios de la sociedad" ("konkret", 6/1968). Chile vive hace ya 35 años un proceso de modernización capitalista implacable. Es cuestión de leer el Suplemento Reportajes del Diario La Tercera del domingo 23 de junio del 2008, en una entrevista a Eleodoro Matte. Allí el empresario defiende a tabla rasa El Ladrillo, documento elaborado desde la Universidad de Chicago, junto a economistas chilenos como programa económico de la dictadura pinochetista, afirma el empresario que hoy vivimos las consecuencias de su buena aplicación y que el programa requiere una actualización a los nuevos tiempos. Por otra parte por esta fecha la derecha pinochetista y la socialdemocracia socialista y cristiana han realizado un acuerdo marco por la educación de mercado, negando toda posibilidad de disenso a los actores del sistema educativo y reprimiendo en las calles a profesores, apoderados y estudiantes. Finalmente y todo esto a modo de ejemplo, sigue aplicándose, con correcciones moderadas la Constitución de Pinochet de los 80 y el sistema excluyente a la participación política de los partidos antisistema. Muchas veces se ha comparado el sistema político chileno, con el italiano o el español, preferentemente este último. Sin embargo invito a leer esta suma de textos de la RAF y de sus líderes, así como también artículos de connotados autores alemanes y franceses. Mi tesis es que estamos más cerca de la realidad alemana occidental de los setenta que de otras realidades europeas que han querido las socialdemocracias nacionales dejar en el imaginario político chileno: Que cerca estamos de la afirmación de Darhendorf, cuando afirma que: 'La gran coalición termina con la lucha de partidos como instrumento de un régimen democrático [...] El precio lo paga la sociedad (…) con la vitalidad de sus instituciones democráticas'.  Que cerca de la neodictadura civil de la RFA estamos cuando frente al conflicto social, a los sectores involucrados se les niega el diálogo en el parlamento, porque los partidos que de una u otra manera los representan están fuera del parlamento por las leyes pinochetistas aún.  Que cerca de la represión selectiva de los aparatos de inteligencia del postfascismo alemán estamos, cuando las fuerzas represivas del estado matan a obreros por protestar por sus salarios y el secretario general del partido socialista, funcionario de inteligencia del estado es capaz de desalojar a los jóvenes de la sede del Partido y reprimirlos duramente junto a carabineros.  Que cerca estamos del período postfascista cuando tenemos un capitalismo tardío que no trepida en reprimir al pueblo mapuche, mediante la Ley antiterrorista y a echar de su territorio a extranjeros que colaboran con la lucha de los indígenas. Y así vuelvo a citar a Ulrike Meinhof, cuando frente a toda la política de acuerdos de la socialdemocracia con el nazismo civil de entonces y frente a la política represiva del estado afirma: "Hemos defendido la democracia política en vez de atacar a los poderes sociales, las asociaciones de empresarios, junto con sus dependencias en el Estado y en la sociedad misma [...]. Hemos argumentado contra las leyes de emergencia, en vez de luchar contra la fuerza de las grandes compañías. [...] No hemos realizado la defensa de la democracia como lucha por la democracia económico-social, como lucha de clase por debilitar a los propietarios de la sociedad" ("konkret", 6/1968). Así esta selección de textos se sitúa en la tesis inicial de la conformación de una neodictadura civil en Chile y de las probables explosiones de violencia ya no sólo desde los actores sociales, sino de grupos que leen ya la imposibilidad concreta de establecer estrategias políticas para cambiar el estado actual de cosas. -- Fesal Chain Poeta, narrador y sociólogo

Poesía Mexicana Actual- Seleccion Mario Melendez

Prólogo Marco Fonz de Tanya Veinte poetas-veinte méxicos: (todo menos un prólogo)  "Los poetas escriben para los poetas. Los poetas son los que rinden homenaje a su propio trabajo y todo este mundo se parece mucho a cualquier otro de los tantos y tantos mundos especializados y herméticos que dividen la sociedad contemporánea. Los ajedrecistas consideran el ajedrez como la cumbre de la creación humana, tienen sus jerarquías, hablan de Capablanca como los poetas hablan de Mallarmé y, mutuamente, se rinden todos los honores. Pero el ajedrez es un juego mientras que la poesía es algo más serio y lo que resulta simpático en los ajedrecistas, en los poetas es signo de una mezquindad imperdonable."                                                                                                        Witold Gombrowicz Ante tales afirmaciones del escritor polaco, tal vez nos queda estar de acuerdo con él o debatirlo de la mejor manera: escribiendo poemas. Hace tiempo Ciprián Cabrera Jasso nos dijo que es una ilusión decir: “Yo soy poeta”. Esa afirmación es incorrecta, ya que “Ser Poeta” es algo que nadie logra Ser. En cambio si decimos: “Yo escribo poemas”, es más cercana esa actividad a lo que se hace en realidad. Entonces, si tenemos en cuenta lo que dice Ciprián, esa mezquindad de la que habla Gombrowicz no existe. Ya que no se puede ser mezquino con alguien que no existe como el poeta. Dentro de estos encuentros verbales con lo que es la acción del escribir poemas o del ser poeta, nuestro amigo Mario Meléndez hace una selección de 20 poetas mexicanos, asumiendo el riesgo anterior de lo que signifique ser poeta. Veinte poemas que de alguna forma muestran lo que en estos momentos se escribe en México. Veinte hacedores de poemas que pertenecen a tres generaciones, de 1965 a 1984. Voces varias de distintas latitudes y con formas diferentes de ver la poesía que se escribe en el país. Hace unos días vio la luz el proyecto de Adán Echeverría llamado, Del silencio hacia la luz: Mapa Poético de México, Poetas nacidos en el período 1960 -1989. Este proyecto selecciona el trabajo de más de 400 poetas en México, eso sin incluir a poetas en idiomas indígenas del país. Que entonces subiría el número a unos 700 o más. Se podrá cuestionar si en verdad todos los incluidos son poetas o serán poetas en algún momento. Pero eso al final de cuentas sólo le corresponde al tiempo y a la poesía. La selección que hace Mario Meléndez es más decantada y se podría hablar que, aunque pequeña, la muestra logra dar un amplio panorama de las tendencias sobre temas, formas e inquietudes de cada uno de los poetas. Un poema por cada uno de los autores hace que la lectura sea fluida y podamos interesarnos en el trabajo de los antologados. Poetas que cuando leemos el poema olvidamos la edad o los detalles biográficos. Afortunadamente todas las voces que presenta Mario Meléndez son voces que, de una u otra manera, han hecho de la poesía su proyecto de existencia. Y como toda buena muestra, es plural y llena de sentidos concretos y caminos varios. Lo que escribió en su tiempo nuestro amigo Gombrowicz, aunque en apariencia siga existiendo, dejó de ser hace ya un buen tiempo. Así como hace tiempo en México se dejó de ver a la poesía como algo que podía ser conducida por un sólo hombre. Reyes, Martínez y Paz han pasado a ser un objeto más de estudio literario y dejaron su lugar a la pluralidad que el país necesitaba. Aunque hay por ahí uno que otro “poeta” o instituciones que quieren todavía pensarse como dueños de la poesía mexicana, esto afortunadamente ya no sucede tan fácilmente. Son tantas las manifestaciones de diferentes tipos que se dan en México, que ya no podemos pensarnos como los que llevan la batuta. Mas como una comunidad que lleva la palabra como herramienta común y luminosa. Así el trabajo que hizo Mario Meléndez de 20 poetas mexicanos se agradece de una forma profunda y maravillosa. Siempre es bueno sentirse acompañado en el camino por el poema y continuar escribiendo poemas y soñando poemas y ser parte, al final de cuentas, de ese animalito raro y extraordinario que es el poema. se pueden leer en: http://amartinez.marquez.googlepages.com/poesíamexicanaactual

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